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vendrán

lluvias suaves

PUBLICADO
08
MAR
2007
El cortometraje "Vendrán Lluvias Suaves", recientemente estrenado en salas de cine colombiano fue una tesis meritoria de la Escuela de Cine y Televisión de la Universidad Nacional. Su autor respondió para LOOP preguntas sobre la producción y su contacto con Cine Colombia. Complementamos la entrevista con apartes del texto de la sustentación teórica.
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HAGA CLICK AQUI para VER el cortometraje vendrán lluvias suaves.

Que opina de la ley de fomento al cine colombiano?

Ricardo Cortes: La ley del cine ha hecho posible que se vea el cine que se hace en el país, que los proyectos no solamente queden entre amigos, sino que le lleguen a todo el público que va a las salas de cine, esto en cuanto a distribución, pero también ha permitido el desarrollo de proyectos cinematográficos de todo tipo que sin los estímulos de la ley no habrían sido posibles.

como se considera animador o realizador. Y por que?

RC: Realizador, realmente la animación es una profesión que requiere una formación y una cancha que yo no tengo, lo que aprendí de animación 3D lo aprendí haciendo el proyecto y lo que aprendí con el proyecto apenas alcanza para empezar pero no para considerarse un animador, por lo menos no en todo el sentido de la palabra.

Cómo fue la ampliación a 35 mm?

RC: Consultamos a la gente de fantascopio, que por esos días acababan de estar en argentina haciendo la copia en 35mm de "Vivienda Multifamiliar", ellos nos recomendaron Metrovisión para hacer el data to film. Yo escribí a Metrovisión pidiendoles una cotización y de ahí en adelante todo fueron, consultas, y acuerdos por mail. Para uno todo es un misterio (que está en 30 fps y tenemos que pasarla a 24, que se nos va a desincronizar el audio, que si hacer tape to film o data to film, etc) pero para ellos eso es el pan de cada día, cuando entendimos eso, todo estuvo más relajado y simplemente nos enfocamos en poder enviar a tiempo el corto en secuencia TIFF y el print master del audio (la mezcla dolby se hizo aquí, con la ayuda de Ricardo Escallón). sonido comercial).

Se logró lo que se quería desde un comienzo?

RC: No, muchas cosas no se lograron como se querían desde el principio, pero creo que las soluciones que se les dieron resultaron en ocasiones mejores o por lo menos más interesantes que lo que se proponía originalmente.

Que impacto tuvo el video en los espectadores y que comentarios recibió?

RC: Por lo que me han dicho quienes la han visto ha gustado bastante, no se si sigan pensando lo mismo en 2 o 3 meses (eso es lo único malo, creo que después de ver cualquier corto por más de tres veces la gente empieza a evitar llegar temprano a las salas), pero bueno hasta ahora nadie me ha dicho:- estoy mamado de ver su cortometraje (mentiras ya hubo uno que me lo dijo), lo que más me ha gustado es que parece tener muy buena aceptación entre los niños, algo un tanto inesperado, pero creo que ellos ven más allá de lo que yo mismo hice intencionalmente y terminan de entender o más bien de disfrutar el corto a su manera

A que tamaño se hizo el render?

RC: 1300 x 590 en la mayoría de los planos (por el formato panorámico de la mayoría de encuandres.

Cuanto tiempo duro haciendo render?

Realmente solo se hizo render de un par de secuencias, el resto estaban originalmente a 800x600 (los 600 incluyen las barras negras arriba y abajo de cada fotograma) en jpeg, así que lo que hicimos fue convertir estas secuencias a tiff de 1300x590. Fue la solución más viable teniendo en cuenta que apenas teníamos 2 meses para entregar el internegativo en 35mm. Y el render de todo en alta habría tomado de tres a cuatro meses.

Cuánto duró la producción?

RC: 2 años

En la producción tuvieron alguna dificultad?

RC: Pues 2 años de trabajo aprendiendo como hacer cada escena en 3D Max puede ser un problema de producción bastante serio, pero finalmente se trataba de un trabajo académico en el que ese "problema de producción" era uno de los objetivos.

Como considera la imagen y la música en este cortometraje?

RC: Se acercan en un 85% a lo que pasó por mi cabeza cuando escribí el guión, creo que eso es bastante bueno.

Cómo fue el contacto con cinecolombia?

RC: El contacto lo estableció Ciro Guerra, director de la sombra el caminante, el habló con el jefe del departamento de distribución de cinecolombia, le mostró el corto e hizo la negociación.

Cómo fue la relación con cinecolombia?

RC: Breve y concreta, realmente yo solo fui a unas tres reuniones, una para firmar el contrato, otra para entregar el material y otra (otras) para cobrar.

Lo siguiente es parte del documento de sustentación de tesis de Ricardo Cortes que explica el proceso de realización del proyecto.

texto completo en www.jaguar.edu.co

Tema:

RC: Las ansias de poder del hombre manifestadas a través de la guerra se extienden más allá de su existencia destruyendo su propio legado.

Las creaciones del hombre no se escapan de la naturaleza de su creador, construimos a partir de nuestras necesidades o anhelos, y nuestras creaciones no son más que representaciones de nuestros fuertes y debilidades, de nuestra propia luz y oscuridad, de nuestra necesidad de sobrevivir así sea a costa de la destrucción. Cuando dejamos de cumplir nuestras funciones asignándoselas a nuestras creaciones nos volvemos obsoletos y estamos condenados a evolucionar o a desaparecer, atados a un origen biológico en el que las dos opciones son factibles, la historia parece mostrarnos que cada vez nos acercamos más a la segunda opción.

Los objetivos del proyecto:

RC: Realizar una versión audiovisual libre sobre los relatos Vendrán Lluvias Suaves, del autor Norteamericano Ray Bradbury, “El Holandés Errante” y, del Canadiense Ward Moore en la que se conjugan elementos de las historias originales con elementos que como realizador me interesa desarrollar.

Emplear las imágenes generadas por computador para realizar un proyecto que amerita y justifica la utilización de ésta tecnología. No se trata de buscar un pretexto para realizar animación sino de ver cúal es la mejor manera de llevar a la pantalla un proyecto.

Emplear y profundizar los conocimientos en el manejo y utilización del sofware para animación 3D (en este caso 3D Studio Max), aplicado a un proyecto cinematográfico.

La motivación:

RC: Quienes nos dedicamos a esto del cine, siempre que leemos un libro, vemos una pintura, escuchamos música, contemplamos una danza o simplemente cuando vivimos nuestra cotidianidad o espiamos la ajena, incluso cuando vemos una película, imaginamos todo, o al menos una parte, como una potencial película, siempre que algo nos interesa empezamos a verlo en una pantalla, ese algo que nos interesa puede ser una simple frase, un gesto, un movimiento, una idea, a veces una imagen concreta o una variedad de combinaciones. En mi caso al leer el relato “Vendrán Lluvias Suaves” hubo tres cosas que llamaron mi atención: La primera fue una identificación temática y estilística, la ciencia ficción es un género de enormes potencialidades cinematográficas y artísticas, y hasta cierto punto este tipo de historias han planteado los retos cuya solución han llevado de la mano muchos aspectos de la evolución técnica del cine. La segunda fue una imagen concreta que me cautivó por su fuerza expresiva, su carácter enigmático y profético, una imagen que mezcla belleza y fatalidad, que  produce escalofríos pero que es inevitable contemplar...

“Las diez y cuarto. El surtidor del jardín saturó la suave brisa matutina de ráfagas doradas. El agua, roció con delicado murmullo, los carbonizados muros del oeste de la casa, desprovistos ya de pintura. Toda la fachada era negra, salvo en cinco sitios. Aquí, la silueta (pintada en blanco), de un hombre segando el césped. Allí, una mujer se inclinaba para coger flores. Un poco más allá, con sus imágenes grabadas sobre la madera en un instante titánico, un niño con los brazos en alto. Más arriba, la imagen de una pelota en el aire y, enfrente a él, una niña con las manos extendidas para atrapar una pelota que nunca cayó.”

La tercera fue realizar una película “ sin actores” o más bien en la que los protagonistas fueran los objetos. Hitchcock definió a los actores como ganado, Antonioni como un mal necesario, en lo personal disfruto bastante del trabajo con los actores, pero la idea de contar un historia post apocalíptica a través los objetos que constituyen un memoria de lo que fue el ser humano me parecía bastante sugestiva, además de todas las posibilidades plásticas que implica una película contada a partir de la utilería, la escenografía, los ambientes y las atmósferas.

De la piedra pulida que revela nuestro origen a la bomba adánica que profetiza nuestro fin, los objetos, tienen la capacidad de invocar los fantasmas de nuestra existencia. La casa vacía se llena de fantasmas cuando se superponen las imágenes de la casa habitada, o cuando se confronta el columpio balanceado por el viento con el columpio movido por un niño, más aún cuando los objetos siguen funcionando y moviéndose como autómatas ciegos que no comprenden que su existencia ya no tiene sentido adquiriendo un significado enigmático. Son los tesoros de una tumba que guarda los secretos de una civilización extinta, una tumba que en este caso está condenada a la destrucción, porque el mismo hombre se ha encargado  de crear la escoba que barra las huellas de sus sueños. 

Por qué 3D:

RC: La opción del modelado 3D, que aunque no es un proceso sencillo (sobre todo si se trata de personajes orgánicos) tiene la mejor relación tiempo vs. resultados (para este proyecto en particular), actualmente se puede modelar casi cualquier cosa, los objetos y los escenarios se integran en la misma escena, se pueden aplicar materiales fotorealistas y luces de todo tipo, hay una total libertad en la ubicación de la cámara y se tiene un control más preciso de la animación (se pueden animar los objetos, las luces, las texturas y la cámara) y los motores de render ofrecen la posibilidad de obtener imágenes de calidad hiperrealista. Por supuesto todo esto es solo es posible si se tiene un conocimiento suficiente del software que se  va a utilizar,  y esto también influye en mi decisión, no solo por lo que ya sé sino por que uno de mis objetivos es profundizar mis conocimientos en el manejo de esta herramienta.

Modelado:

RC: Para la elaboración de los objetos y escenarios voy a emplear los tres tipos de modelado que ofrece 3D Studio Max, según las características del objeto a modelar:

El modelado poligonal, perfecto para los modelos arquitectónicos o de poco detalle. Dado que los modelos poligonales están compuestos de caras, son muy fáciles de editar y animar cuando el modelo con el que se está trabajando tiene un nivel de detalle relativamente bajo.

El modelado de correctores, sirve para los modelos suaves construidos desde la base hacia fuera. El modelado de correctores consiste en asociar pequeñas cuadrículas, llamadas correctores, que se basan en la tecnología de splines de Bézier. Con este método se obtienen superficies suaves con una geometría que tiene un nivel de detalle relativamente bajo en los visores (puertos de visualización de la escena que se está contruyendo).

El modelado de NURBS es especialmente adecuado para las superficies orgánicas, suaves o complejas. Dado que los modelos NURBS son tan suaves como los correctores, funcionan bastante bien en los modelos complejos.  A diferencia de los correctores, las superficies NURBS se pueden construir a partir de curvas de definición, que nos permiten construir las superficies basándonos en objetos simples en lugar de en pequeños correctores.

Los materiales de los objetos se crearán mediante el editor de materiales de 3D Studio Max y Adobe Photoshop, se emplearan fotografías a manera de mapas y texturas, para dar un carácter más realista a los objetos.

El proceso de animación:

RC:Aunque el proyecto se trata más de la creación de atmósferas, el movimiento juega un papel fundamental (si bien no es el centro de la propuesta), ya que da el carácter autosuficiente de los objetos que constituye el absurdo de su existencia, y crea los “fantasmas” que habitan la casa y su “vida” misma, además ayuda a determinar una cuestión fundamental en el tipo de puesta en escena que pretendo lograr, en la que el ritmo está dado más al interior de cada cuadro, que a los movimientos de la cámara o a la sucesión de los planos. La animación que se hará se puede dividir en cuatro tipos:

La animación de texturas o creación de mapas animados, se trata de la animación 2D que se realizará principalmente en Flash, y tiene por objeto generar materiales animados que se aplicaran sobre los objetos que los requieran, por ejemplo las pantallas de los instrumentos de la torre de control.

La animación de los objetos luces y cámaras, es la más sencilla y tiene un carácter mecánico, controlable a través del Track View de 3D Max.

La animación por partículas, de elementos atmosféricos, lluvia, viento, humo, fuego, explosiones, y efectos especiales; que es un poco más compleja, pero para la cual existen varios tipos de plug–ins, algunos de los cuales ya vienen incluidos en la versión 4 de Max.

Elaboración del guión:

RC:Tomando como partida el texto de Bradbury inicié la elaboración del guión, teniendo en cuenta los distintos factores que constituyeron el proceso de adaptación:

Primero las partes del texto que, por sus carácter descriptivo principalmente, se pueden mantener dentro de un contexto cinematográfico y de las cuales surgen las primeras “imágenes”.

“Los pequeños ratones metálicos surgieron precipitadamente de sus escondrijos incrustados en las paredes. Invadieron las habitaciones de una multitud de diminutos animales de goma y metal. Aspiraron el polvo acumulado de todos los lugares y regresaron a sus madrigueras.”

Segundo: las partes del texto que aunque evocan “imágenes”, tienen un carácter demasiado general, y cuya solución cinematográfica toma mucho más tiempo que su enunciación.

“La casa era como muchas de aquel tiempo; alimentaba y entretenía a sus habitantes, les daba reposo y les proporcionaba una vida agradable.”

Tercero: las partes del texto que difícilmente pueden constituir imágenes precisas, me refiero a las partes reflexivas, o con un carácter filosófico o poético que son “imágenes literarias” de aproximación no directa al lenguaje cinematográfico pero que sin duda constituyen gran parte del espíritu y forma de la obra; entonces, surge la necesidad de crear imágenes que puedan contener ese espíritu o elementos que se integren a las existentes enriqueciéndolas en un sentido superior a la simple descriptiva.

Por dentro la casa era como un altar con nueve mil serviciales robots, grandes y pequeños, solícitos, atentos, en coro, aunque los dioses habían desaparecido y el ritual carecía de significado.”

Y cuarto: las modificaciones que surgen de la confrontación del texto con mi “imagen” mental del mismo, o de la confrontación entre el relato que leí y la película que me gustaría realizar.

Estos cuatro factores implican modificaciones tanto formales, como de contenido y surgen fundamentalmente de la búsqueda de una dramaturgia audiovisual y de mis intereses y preocupaciones como realizador, a continuación enunciaré las principales modificaciones que tuvieron lugar:

Primero la introducción de una línea argumental paralela. El relato de Bradbury se desarrolla en una casa autosuficiente que agota sus recursos ejecutando tareas que ya no tienen ningún sentido porque ya no hay habitantes (los humanos han muerto), y sin recursos para enfrentar el incendio producido por un rayo la casa finalmente colapsa. Yo he introducido un elemento de creación humana, como causante de la destrucción de la casa;  se trata de una flota de bombarderos (basados en el relato de Ward Moore “El Holandés Errante”) programados para destruir las instalaciones y ciudades de un enemigo que ya ni siquiera existe. Enfrentando así dos creaciones humanas en el  conflicto más antiguo de todos, el que se da entre la vida y la muerte.

Segundo: una modificación de tipo estructural que obedece a la inclusión de la línea argumental señalada anteriormente y a una modificación en el estado que busco generar en el espectador, Bradbury comienza contándonos lo que ha ocurrido, desde el principio sabemos que no hay seres humanos, en  mi versión este es un elemento de intriga, no sabemos que ya no hay seres humanos, todo el tiempo sentimos su ausencia preguntándonos dónde están, hasta bien avanzada la historia, cuando se comprende lo que ha ocurrido y que aún no ha llegado a su fin porque aunque los hombres hayan desaparecido dejaron como herencia sus creaciones, que al igual que ellos, caen bajo la sombra de la destrucción.

Tercero: en el relato de Bradbury la voz de la casa declama el poema de Sara TeadsdaleVendrán Lluvias Suaves” a la señora de la casa en un rato de ocio, en mi versión la señora de la casa es compositora y comienza  haciendo una adaptación músical del poema, en el momento del clímax la versión es interpretada desde el sintetizador, dejando abierto el interrogante de si es interpretada por la máquina o por el “fantasma” de la compositora en un sentido que muestra el “alma” más allá de la obra, como sobreviviente a la vida de su autor, y tal vez cómo una última esperanza frente a la inminente destrucción.

Así hay toda una serie de modificaciones, que obedecen a los factores enunciados, algunas mayores como las de los ejemplos anteriores y otras, aunque no tan grandes, que también influyen en el establecimiento de una distancia  suficiente como para decir que el proyecto no es la ilustración de las palabras de Bradbury, sino un proceso creativo que aunque parte de una obra existente, genera toda una serie de ideas y propuestas que le dan un carácter relativamente libre e independiente.

Conceptos que guían la propuesta de dirección de arte:

RC: Tras elaborar el guión hay que decidir cual es la mejor forma de llevarlo a la pantalla, para lo cual tuve en cuenta las siguientes determinantes. Primero, se trata de una historia de ciencia ficción que se desarrolla en un futuro no muy lejano, y segundo, el centro de atención son los objetos, los espacios y las atmósferas, esto involucra el establecimiento de un estilo en cuanto al diseño de los espacios y objetos así como la forma de realizarlos, en este caso el trabajo en dirección de arte es supremamente importante.

Desde que leí el relato vinieron a mi mente algunas  imágenes que vi hace mucho tiempo en una revista, de la  Feria Mundial de Nueva York de 1939, cuyo lema era: "Construyendo el mundo del mañana", y que sirvió como plataforma para el diseño visionario. La orientación consumista y futurista de los pabellones de la Feria, en particular "Futurama" de General Motors y "Caminos del mañana" y "Ciclo de producción" de la Ford Motor Company, cautivaron la imaginación del público norteamericano con sus posibilidades tecnológicas y el ideal de progreso que conllevaban los ejemplos más recientes del diseño industrial, influenciados notablemente por el estilo art Deco que se vino desarrollando desde 1920 hasta 1939, pero que tuvo una gran influencia incluso hasta los años 50.

Así, en mi película mental, los aviones, la ciudad, la casa, y todos los objetos en su interior empezaron a adquirir rasgos art deco, aunque filtrados por el paso del tiempo, un art deco más sobrio, con líneas curvas pero más suavizadas, y con ornamentos trazados apenas en sus  líneas más generales.

El Jardín de los sueños imposibles:

RC: En todo proyecto el presupuesto puede llegar a ser un determinante de sus condiciones y cualidades, siempre se debe hacer un presupuesto con el debido conocimiento de las herramientas y procesos necesarios para la elaboración del proyecto. En este sentido las proyecciones hechas en el proyecto original pueden considerarse un completo fracaso. Como buen principiante  pensé que la máquina en la que trabajaba iba a ser suficiente para mis necesidades, y así es (puedo leer mis correos, correr juegos de última generación, bueno también editar video, música y sonido, todo esto holgadamente) pero eso no fue suficiente para las necesidades del proyecto, la animación en 3D de calidad cinematográfica es uno de los procesos más exigentes para el hardware y requiere de una configuración especializada para tal fin.

Durante el proceso de modelado no se presentaron mayores inconvenientes, aparte de la obvias ralentizaciones en los visores cuando aumentaba el número de objetos o su complejidad, pero esto ocurría en unas pocas escenas. El principal problema se presentó a la hora de animar y de hacer render, proceso que en muchos casos iba combinado específicamente, en la animación de efectos y ambientes. Los efectos y ambientes solo se pueden ver durante el  render, y con poca experiencia (aún con mucha experiencia) se vuelve una cuestión de prueba y error, el problema es cuando para ver el resultado de la prueba hay que esperar hasta seis horas para darse cuenta del error, o que al levantarse por la mañana tras haber dejado toda la noche haciendo un render aparecía La temida pantalla azul de error.

Cómo se hizo la mitad de la película:

RC: Los procesos y reflexiones aquí descritos corresponden a la mitad visual de la película, ya que no me considero con la autoridad para describir el proceso de elaboración de la banda sonora. El audio fue un proceso que corrió en su mayor parte por cuenta del diseñador de sonido, mi función en este aspecto se limitó a dar unas indicaciones generales, hacer unas correcciones puntuales, componer la música original y tomar la decisión de abolir completamente los diálogos, decisión de la que hablaré al final ya que se tomó una vez terminada la parte visual.

Abolición de los diálogos:

RC: Cuando se tuvo un volumen suficiente de material de video listo se comenzó paralelamente el proceso de elaboración de la banda sonora, en su mayoría efectos sonoros y ambientes, los diálogos al no ser sincrónicos se dejaron para el final ya que consideramos más importante tener un piso sólido sobre el cual montarlos, además porque se tenía la idea de fabricar un “idioma” propio para la película con dos fines: primero abolir completamente los referentes, y segundo mantener el poema del texto original,  ya que al ser un poema y no una canción la métrica no encajaba y al ser el original en inglés la rima tampoco funcionaba. Cuando se tuvo lista la secuencia sobre la que iba a ir la canción (escenas 12 a 20) todo fue más claro, no había necesidad de serle fiel literalmente al poema, después de todo la canción tenía que funcionar dentro de la película y no dentro del texto, de esta manera se escribió una letra (en español) que aunque conservaba algunos elementos del poema estaba supeditada a establecer una dicotomía con las imágenes. Definido entonces que no se iba a crear otro “ idioma”, se procedió a grabar las voces: una voz para la canción de la escena inicial, otra para la casa y la canción de la secuencia del los aviones y otra para el cuarto de control, para darle un carácter robótico a las voces se filtraron con un modulador en anillo, dándoles el sonido deseado. El problema surgió al mezclar las voces con el piso preexistente, primordialmente porque “mataban” la atmósfera y la relación que se había logrado crear entre las imágenes y el sonido, además los diálogos en su mayoría eran simples reiteraciones de las acciones que llevaban a cabo los objetos, solo un par de diálogos tenían funciones “clarificadoras” que podían considerarse importantes pero no esenciales.

Tomada esta decisión surgía otro cambio esencial con respecto al guión, la casa ya no iba a cantar. Esto a mi parecer no es un gran inconveniente, todo lo contrario porque por un lado refuerza el carácter “fantasmal” de la secuencia del piano, aunque sin cerrar necesariamente otras posibilidades  de sentido, desde la más simple como una evocación a manera de escucha reducida en la cual se rompe la relación entre el sonido y sus fuentes, a la más extravagante que puede ser que el fantasma de la señora poseyó la casa, en fin, como ya lo dije lo que me parece más interesante son las diferentes posibilidades de sentido que le den los diferentes espectadores a lo que ven.  Cada quien tiene un background diferente  con el cual llenar los vacíos y una forma distinta de unir las partes.

Conclusiones:

RC: Muchas veces al terminar un proyecto, se tiene la sensación que se pudo haber hecho mejor, que quedaron cosas por decir, que si las condiciones de producción hubieran sido mejores, que si se le hubiera dedicado más tiempo, etc.  Estoy seguro de que si este proyecto se hubiese terminado en el tiempo presupuestado y no hubiese sufrido ningún tropiezo o ninguna modificación desde su concepción, tendría esa sensación. Por fortuna este no es el caso, todos los objetivos propuestos al principio de este trabajo se cumplieron, eso sí a lo largo de año y medio de trabajo, y tiempo es el precio mínimo que se debe estar dispuesto a pagar cuando se emprende un viaje que lleva desde el nacimiento de una idea hasta su realización.

Toda idea, por buena que parezca necesita un proceso de maduración, pero muchas veces la ansiedad de ver la idea realizada lo más pronto posible, o las presiones de carácter industrial nos hacen optar por el camino más rápido, un camino en el que la distancia del punto A al B tiene que ser recorrida en el menor tiempo posible, procurando evitar las curvas y en el que no está permitido frenar ni mucho menos devolverse. Pero a mí me gusta mirar el paisaje mientras manejo, por eso evito los caminos rápidos y muy transitados y trato de llevar el menor número de pasajeros posible. Esto sonó cursi, pero describe a la perfección mi método de trabajo en este proyecto y el resultado está profundamente ligado a dicho método.

Es un método absurdo y contraproducente en medio de un ambiente industrial, pero no tanto cuando se trata de un proyecto personal, que forma parte de un proceso académico, vital y artístico (que se rasguen las vestiduras los que consideran esto un simple oficio). Que para hacer pan solo hay que tener harina y agua, pero es bien distinto cuando además se deja un pedazo de alma en el amasijo.

En una cadena de producción cinematográfica este debe ser un requisito, pero quién no está dispuesto a vender el alma por el precio adecuado? Por eso quiero hacer un paréntesis aquí y agradecerle infinitamente a los pasajeros que me acompañaron en alguna etapa del viaje, a mi copiloto Icaro (esto no es ninguna metáfora ni un chiste flojo, es el nombre del diseñador de sonido), a mis mecenas Gloria y Rafa, que me prestaron el carro y además me dieron para la gasolina, y a los que tuvieron la paciencia de esperar hasta el final del viaje.

Continuando con la metáfora del pan, el pan hubiese estado listo más rápido si llevo el agua, la harina y el alma donde un experto panadero (una empresa dedicada a la animación 3D) y le digo como quiero que lo prepare, pero es quien amasa el que le da la forma y el sabor definitivo, y así me demorara diez veces más tenía que amasarlo yo mismo, además también me salía más barato.

Las necesidades industriales son las que han obligado a establecer una jerarquía y un sistema de producción divido en oficios y especialidades y paradójicamente el desarrollo de nuevas tecnologías ha hecho que la cantidad de especificidades sea mayor (modelador, texturizador, iluminador, animador, compositor, etc), paradójicamente porque la función sintetizadora de las imágenes generadas por computador (un tipo de síntesis de imagen)  se dispersa en medio de las exigencias de un sistema de producción que solo fabrica mecanismos para automantenerse dentro de un sistema más grande heredado y degenerado desde los tiempos de la industrialización. En este sistema los artistas, compositores, realizadores, inventores, etc, no son más que los títeres y a la vez el huésped, del que se alimentan toda una serie de parásitos mal llamados ejecutivo e inversionistas.

Pero qué pasa cuando nace y se desarrolla libremente una tecnología que vuelve obsoletos los intermediarios? Qué pasa si se inventa un aparato capaz de sintetizar la imágenes de la misma forma en que lo hace un sintetizador musical? Qué pasa si se viene al piso una industria que mantiene entretenidos a millones de seres humanos inconformes e infelices? Pues no pasa nada, porque siempre habrá un inversionista listo a sacarle partido a cualquiera de las posibilidades, y todos estaremos dispuestos a hacer lo que sea por una moneda que nos permita comprar el pan, aunque para hacer pan no haga falta más que agua y harina.

Para mayor información visite:

"vendran lluvias suaves" en loop.la

cinecolombia

Texto completo en: www.jaguar.edu.co

facultad de cine y televisión de la Universidad Nacional de Bogotá

Parte del texto es documento de sustentaciòn de tesis de Ricacardo Cortes

Diferentes ejemplos del estilo Art Deco
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